李紅，本名爾瑪其桑桃子，是中國工藝美術家協會會員，四川省美術家協會會員。其倡導真實做人，藝術生活，創作范疇涵蓋繪畫、裝置、家居產品類的藝術設計，旨在建立生活與藝術之間橋梁的公共介入。作品多以木材、金屬、布料與新型材料結合，重新發現和認識中國傳統文化中造型藝術及其所具有的深厚生命力。

# 01

是斜杠青年，更是不受限、不被定義的“自我”

深耕設計領域多年的李紅，在室內設計、軟裝設計、家居設計、材料研究等方面皆有著深度的見解。我們常常看見，她活躍于各種平臺 —— 今天在某某大賽擔任評委，明天是社交平臺上的大V被粉絲們不斷催更，后天又馬不停蹄地發布了最新的設計作品。

設計師、自由畫家、專欄作者、材料研究者、講師、社交平臺上的KOL，每一個身份似乎都在定義她，但是每一個身份又是她不受限制的原因。她說：“每個人都不是一座孤島，所有人的不幸福和苦難都是我們生命一部分。一定要培養在工作之外的激情做個斜杠青年。”因此，面對人生的挑戰，她始終“輕裝上陣，放空自我”，以第三者的視角審視自我，并填充缺失的那一部分，再利用優勢不斷優化自身的資源和知識體系。

李紅曾坦言設計對于她來說是“痛苦的過程”與“片刻的歡愉”。但當被問及為何選擇進入設計領域時，李紅頗具深意的回答道：“設計讓我的生命充滿意義”。或許正是這種意義，讓她在設計中，痛苦并享受著，孤獨亦愉悅著。

“在設計這個行業中，設計師必須要迅速找到屬于自己的位置。動作要快，姿勢要帥，否則你很可能就沒有機會了。”李紅緩緩說道。

# 02

設計源于藝術，更源于生活

“概念的起源一定是來自對周遭事物的觀察，我們的生活離不開設計。”李紅關于設計的啟蒙，源于藝術，更源自于生活。美術教育專業出身的她，往往善于自藝術的海洋中、從生活的細節中發現美，呈現美。

2020年，在40UNDER40中國（四川）設計杰出青年思想會上，李紅從青年畫家羅玉其先生的《向日葵》中汲取靈感，并以畫家本人畫的小黃魚為整體印象，設計了一個向日葵金魚的藝術裝置。

這是一個25平方的黑盒子，朦朧的燈光、輕盈的歐根紗面料、舞動的仿真花向日葵，以及一些狗尾巴雜草......一半是海水，一半是火焰，恰如羅玉其先生的每一束向日葵和每一條魚，在一片喧囂的燦爛背景中，充斥著熱鬧的色彩，每一個個體在其中顯得尤為孤獨、有個性。

“做‘設計師’這一行，要在為他人服務的過程中身體力行地去呈現‘美’這件事，這本來就是一個痛苦的過程。片刻的歡愉來自于呈現的好結果和客戶的肯定 —— 我們終將以各種方式走向成熟。”李紅曾在自己的文章中寫道。

彼時，已然四十歲的李紅，在這一場設計中，基于自己對于生活、對于藝術、對于設計的獨特理解，詮釋了自己的四十歲，同時也致敬了許許多多設計師的四十歲。

在她看來，從某種層面上看，藝術與設計，實際上是兩種抱有不同目的性的創作形式。我們常常會被問及，藝術從哪里來？李紅也曾有過這樣疑惑，并在網上搜索過許多關于藝術的起源學說，比如模仿說、游戲說、表現說、巫術說等。但這些都不是她想要的答案。

最終她引用了英國人貢布里希（E.H. Gombrich）的一句話來闡述自己的觀點，“實際上沒有藝術這種東西，只有藝術家而已。”她認為，所有能給我們帶來感動的藝術和藝術品，往往都包含了人類自身最真摯的情感。因此，藝術從來都是真實的感情，設計亦是如此。

# 03

設計師的精神時代已然來臨

伴隨著疫情常態化、經濟環境收緊、消費需求轉型升級，設計的底層邏輯隨之改變。李紅在2020年的一篇文章中提及，“設計師的物質時代已經過去，精神時代已然來臨。”

從前，當物質相對貧瘠的時候，我們對于“家”的想象可能是寬敞明亮的客廳、現代化的廚衛設施、溫馨舒適的臥室。但來到今天，當物質需求已經被滿足，日常生活之外的“詩與遠方”，成為了當代消費群體的一種精神需求。而這種轉變直接影響著設計師走向新的精神時代。

李紅認為，“精神是一切的基礎，精神能創造物質”。在她的作品中，我們不僅僅看見了她對時代的理解，更多的是，她站在使用者角度的設計巧思。在她的設計理念中，一個好的設計師，一定是要在以人為本的前提下，尊重自然規律，尊重建筑和室內的生長規律，尊重設計業態的市場規律，尊重投資者的經驗，并用自身的設計經驗和設計知識替他人服務，為社會服務，創造價值。

這是一個25平方的黑盒子，朦朧的燈光、輕盈的歐根紗面料、舞動的仿真花向日葵，以及一些狗尾巴雜草......一半是海水，一半是火焰，恰如羅玉其先生的每一束向日葵和每一條魚，在一片喧囂的燦爛背景中，充斥著熱鬧的色彩，每一個個體在其中顯得尤為孤獨、有個性。

“做‘設計師’這一行，要在為他人服務的過程中身體力行地去呈現‘美’這件事，這本來就是一個痛苦的過程。片刻的歡愉來自于呈現的好結果和客戶的肯定 —— 我們終將以各種方式走向成熟。”李紅曾在自己的文章中寫道。

彼時，已然四十歲的李紅，在這一場設計中，基于自己對于生活、對于藝術、對于設計的獨特理解，詮釋了自己的四十歲，同時也致敬了許許多多設計師的四十歲。

在她看來，從某種層面上看，藝術與設計，實際上是兩種抱有不同目的性的創作形式。我們常常會被問及，藝術從哪里來？李紅也曾有過這樣疑惑，并在網上搜索過許多關于藝術的起源學說，比如模仿說、游戲說、表現說、巫術說等。但這些都不是她想要的答案。

最終她引用了英國人貢布里希（E.H. Gombrich）的一句話來闡述自己的觀點，“實際上沒有藝術這種東西，只有藝術家而已。”她認為，所有能給我們帶來感動的藝術和藝術品，往往都包含了人類自身最真摯的情感。因此，藝術從來都是真實的感情，設計亦是如此。

# 03

設計師的精神時代已然來臨

伴隨著疫情常態化、經濟環境收緊、消費需求轉型升級，設計的底層邏輯隨之改變。李紅在2020年的一篇文章中提及，“設計師的物質時代已經過去，精神時代已然來臨。”

從前，當物質相對貧瘠的時候，我們對于“家”的想象可能是寬敞明亮的客廳、現代化的廚衛設施、溫馨舒適的臥室。但來到今天，當物質需求已經被滿足，日常生活之外的“詩與遠方”，成為了當代消費群體的一種精神需求。而這種轉變直接影響著設計師走向新的精神時代。

李紅認為，“精神是一切的基礎，精神能創造物質”。在她的作品中，我們不僅僅看見了她對時代的理解，更多的是，她站在使用者角度的設計巧思。在她的設計理念中，一個好的設計師，一定是要在以人為本的前提下，尊重自然規律，尊重建筑和室內的生長規律，尊重設計業態的市場規律，尊重投資者的經驗，并用自身的設計經驗和設計知識替他人服務，為社會服務，創造價值。

面對當下中國的設計，李紅提出，一方面，由于信息通訊的高速發展，我們已經處于沒有隔閡的時代，各種流行或者即將流行的標簽，已經看不出地域或文化的差異。另一方面，基于無國界或是無城市界限的設計，國際化是優勢，但對設計者來說，向內和向外是同等重要。因此，只有關注當下，關注身邊，關注眼前，才能做更有生命力的設計。

在李紅的身上，我們可以輕易地捕捉到很多關鍵詞，比如羌族人、斜杠青年、70后設計師、社交平臺的內容創作者等等。一直以來，她都在以專業探索的精神去不斷發掘興趣以及充實自我。但如果非要用一個詞來介紹李紅，或許應該是 —— 設計師李紅。

訪談的最后，她借比利時雕塑家蓋盧瓦曾說過的話 —— “你看見的，是我塑造的；你沒看見的，就是我心中所追求的”，寄望于新一代年輕設計師，希望他們能成為一個專業、無畏、天真的好設計師。同時，也鼓勵像年輕設計師一樣依舊努力在設計前線的自己，做好當下，從當下探索未來，共創設計趨勢的未來。